Für die Umsetzung des Vorhabens wird auf eine »Startnext«-Crowdfunding-Kampagne zurückgegriffen; hier können die Gäste der Zukunft Listenplätze kaufen, Merchandise abgreifen oder rare Platten, Tapes oder Compilations erstehen. Künstler wie Sleeparchive, Dadub Anno Stamm aka Anstam und Kassem Mosse zählen zu den vielen Unterstützern.

Kommen die 30.000 Euro in der Kampagne zusammen, so wird der Betrag in den Kauf einer Kirsch Audio Anlage fließen, denn die soll das Herz des Projektes werden. Alles andere wollen die Crews aus eigner Kraft stemmen.

Wenn Chef mit Heute müssen wir saufen! grüßt, dann ist das eine Weisung. Jeder, der einmal in der Gastronomie gearbeitet hat weiß, dass der Schrecken nicht im Stress oder der Masse an Arbeit liegt, sondern im Detail. Insbesondere in einem auf besondere Essgewohnheiten spezialisierten Laden. Da hülfe auch kein Betriebsrat.

Stammtisch – die wenigen Assoziationen reichen aus für fischfeuchte Finger und einen starken Migränepochimpuls hinterm rechten Auge. Wodka. Chef gießt ein. Er hat natürlich schon vorgelegt, es gab schließlich schon eine Frühschicht, Vorbereitungen für den angekündigten Spezialistenbesuch, für’s gesamte Wochenendmenü. Mit der zweiten Köchin unlängst verkracht, macht er heute – wie fast alle Wochenenden to come – Doppelschicht. Schnippeln, Hacken, Vorkochen, Dünsten, Einlegen, die Rote Beete grummelt im Backofen langsam vor sich hin, matt glänzende Alu-Schalen sind mit schmatziger Burgermasse und lachenden Kartoffelecken vollgestopft, es riecht nach angebratenen Frühlingszwiebeln und Koriander. Überall dunkle Kleckse von klebrigem Agavendicksaft. Die Absolut-Flasche war gestern Abend mindestens vier Finger breiter gefüllt. Frühschicht. Vorbereitung.

Ist da überall Zwiebel drin? Worst case. Es ist überall Zwiebel drin, Zwiebel, deren Strunk zerteilt wurde mit einer eiskalten, herzlosen, glatten Klinge, schärfer als jene, die die akkurat rasierten Schläfen entlang gefahren ist, schärfer als der manische Blick des Fruganers. Der Fruganer ist immer der Erste. Der Fruganer goutiert nur, was vom Baum gefallen ist, oder schon abgestorben war. Den Apfelsaft mag er nur naturtrüb, Bier entfällt, Hopfen und Malz können ja schlecht runtergeplumpst sein. Leitungswasser, dazu Nichts. Es ist überall Zwiebel drin. Der Fruganer zieht einen Katzenarsch-Mund, Chef gießt ein. Bei kläglichen fünf Euro Stundenlohn reicht oft auch die Sympathie für das Projekt nicht aus, um mit allem D’accord zu gehen. Aber Chef weiß das, daher ist die Erhöhung mittels hochprozentiger Zulagen ein unausgesprochenes Dankeschön, das aus tiefstem Herzen kommt. Beim ersten Stammtisch war damals nach veganer Musik verlangt worden. Diese Grenzüberschreitung konnte noch eingedämmt werden. Heute düdelt aus den hässlichen weißen Plastikboxen dezent ein Soundtrack zum Briefmarkensammeln. Scherz. Der Stammtisch fragt, ob die Lautsprecher auf ihrer Seite des Raumes runtergedreht werden können. Können sie.

Das Schlimmste ist der Übergang, der Übertreten von der warm-wohligen Chef-Schnaps-Welt in die grelle, laut zeternde Welt des Bestellungen-Aufnehmens, des nackten, den hungrig-gierig-unschlüssigen Stammtischlern und der eigenen übermannenden Intoleranz Ausgeliefertseins. Dreimal Spieße einmal ohne Zwiebeln es ist aber überall Zwiebel drin oh dann nur zwei oder doch drei ich kann das ja beiseite legen ja Schatz des esse ich dann und willst du noch einen Mangosaft ja danke und noch eine Karaffe Leitungswasser und gibt es eigentlich noch Kuchen ja aber nur noch zwei Stücke oh dann stellt mir doch bitte eines zur Seite oh toll.

Schlimmer sind nur Dates im Café, vor allem wenn es so leer ist, dass man von hinter der Bar jedes einzelne Wort mithören kann. Wer sich in auf spezielle Essgewohnheiten spezialisierten Lokalen datet, der redet gern über spezielle Essgewohnheiten. Wenn das Date gut läuft, reden beide gern über spezielle Essgewohnheiten, und Tiere. Chef gießt ein.

Dutzende bepackter Platten, heißer Schalen und überdimensionierte Teller wandern um die Ecke, über die Weltengrenze, und wieder zurück. Schwer atmende Münder schmatzen, kauen, wischen sich gegenseitig ab, atmen wieder schwer. Zwei Teller davon sind ein Monatslohn in Vietnam, aha. Die Lautsprecher werden unmerklich lauter.

Chef kann nicht mehr, Chef hat für kein Geld seit Wochen durchgeackert, sich seit acht Wochen nicht mehr gekämmt, letzte Nacht auf dem Sofa vor der Theke übernachtet, bis ihn Frühgäste geweckt haben. Die vorbestellten Teller sind alle raus, die wenigen Nicht-Stammtischler werden mit Burgermasse in nachgekauften nun-nicht-mehr-bio Burgerbrötchen abgespeist. Habt ihr die Musik bei uns wieder lauter gemacht? Und ach, kann ich hier Flyer hinlegen? Da hinten gehen die so unter zwischen den anderen…

Nachgießen, Nachgießen, Nachgießen. Die kernig-schleimige Burgermasse türmt sich aus der viel zu winzigen Schüssel wie ein Tofu-Zwiebel-Golem. Erhebe dich, Tofu-Golem, erhebe dich und löse das Welthungerproblem, erhebe dich und zerstampfe die Foodchains, erhebe dich und zermalme die Gen-Sojabohne, erhebe dich und sorge dafür, dass jedes Café mit einem EC-Lesegerät ausgestattet ist!

Chef ist inzwischen so weit, dass er auf seinem krepierenden Mac einen Bravo-Fotoroman aus dem Netz gefischt hat, der auf einer Tierrechtsdemo spielt, und beginnt, die Sprechblasen auf die jetzige Situation angepasst mit Nein, nichts mit Zwiebeln, Leitungswasser wird aber nicht gefiltert! und Oh, ich mag deine Frisur! zu versehen. Nach nur fünf Minuten liegt der sofort mit Schnapsglas-Abdrücken bestempelte Ausdruck hinterm Tresen, und wird mit verteilten Rollen vorgelesen. Einzig die baulichen Vorzüge der Räumlichkeit verhindern eine direkte Konfrontation des Wodka-schwangeren Theaters hinter der Bar mit den geschäftigen aber nüchternen Rittern der Tafelrunde um die Ecke. Der Leitungswassergral muss noch einmal aufgefüllt werden, dann darf die Rechnung kommen. Alle einzeln. Aus den Boxen dröhnt Cannonball Adderleys Work Song, der üppige Wodkalohn wird dafür sorgen, dass der Bläsersatz für mindestens den Rest der Nacht hinter der Stirn kleben bleibt.

Selbstausbeutung kann vieles mit einem machen – in die Scheiße reiten, zum Alkoholismus anstiften, in Sinnkrisen stürzen. Im Idealfall kann sie sogar Spaß machen, zumindest Aspekte davon. Sie fördert ganz sicher einen resignierten Zynismus, den man eigentlich gern ablegen möchte, sofern man nicht irgendwann als komplettes Arschloch aufwachen möchte. Chef hat ca. ein Jahr später Privatinsolvenz angemeldet. Der Stammtisch zieht weiter. Manchmal wird es einem zu leicht gemacht, Dinge zu tun, für die man sich schlecht fühlt.

All das trifft auf das eponymisch betitelte Debütalbum der Berliner Band Blank Pages zu, das jüngst auf dem in Osnabrück ansässigen Label Hardware Records erschienen ist. Allerdings meint man hier gar kein Debüt vor sich zu haben. Nicht nur, weil die Blankies in den letzten zwei Jahren bereits zwei starke Vinylsingles veröffentlicht haben und schon mehrmals durch Europa getourt sind, sondern auch, weil man es hier mit alten Bekannten zu tun hat: Sänger Andreas Robbes war Sänger und Gitarrist der Band Idle Hands und mit seinem Songwriting und seiner einprägsamen Stimme maßgeblich für den Sound der Band verantwortlich. Es wundert also nicht gerade, dass sich die Idle Hands als primäre Referenz geradezu aufdrängen. Der Schlagzeuger Jan Hellmich hingegen ist parallel bei der beliebten Berliner Krawallband Modern Pets engagiert. Sein punktgenaues, arschschnelles Spiel bereichert die Band ungemein. Bassist Marcel Feige wiederum ist zugleich Sänger der aus Münster stammenden Band Dramamine, die derzeit pausiert. Anders als beim DC-inspirierten Posthardcore seiner Zweitband geht es hier aber sehr straight und, man ist geneigt zu sagen: poppig zu. Die Songs sind Hits, die Melodien Ohrwürmer. Der musikalische Widerpart will aber vor allem Punkrock sein. Bei anderen Bands pervertiert diese Zusammenkunft unter dem Begriff »Pop-Punk«. Hier jedoch gemahnt sie eher an Vorbilder wie die Buzzcocks, Hüsker Dü und die Wipers. Gelegentlich meint man in der Melodieführung auch einen jungen Blake Schwarzenbach herauszuhören.

Äußerst gelungen wird das Ganze von der Produktion unterstrichen. Im Berliner Schaltraum Studio binnen sechs Tagen von Smail Shock, dem Sänger und Gitarristen der Urgesteine The Shocks, auf einer alten Bandmaschine aufgenommen und abgemischt, fügt sich der Sound dem Retrocharme, den das Songwriting nahelegt. Doch genau an diesem Punkt, der genau so dazu dienen könnte, die Konsequenz der Band zu loben, wird die Band auch auf Kritik stoßen: Kaum zeugt die Platte vom Willen nach Innovation. Mit Spielereien und Experimenten lehnt sich die Band nicht aus dem Fenster. Gerade dieses Verfahren wird jedoch im letzten Stück des Albums, »Do Not Resuscitate«, textlich reflektiert: »Repeating structures once again/No choices offered to my hands.« Nur aus dem Vorhandenen kann geschöpft werden. An anderer Stelle heißt es dann: »We’re all searching for this niche of boredom and security.« Punkrock bleibt also der alternativlose Referenzrahmen trotz der Zerrissenheit im Wissen um die stetige Wiederholung. Die eigene Sozialisation wird zugleich kritisch betrachtet und produktiv genutzt. Auch aus anderen Stücken spricht eine gewisse Desillusioniertheit und das Eingeständnis, dass sicher geglaubte Wahrheiten und der Genuss von hohlem Pathos nicht länger greifen können. Daher wird hier dankbarerweise nicht der Durchhalteparole »Young Until I Die« gehuldigt. Weder die ewige Jugend noch ein diffuses Gemeinschaftsgefühl werden beschworen. Vielmehr kommt Robbes zu dem Schluss: »So I’d rather keep on running to the beat of my own heart.« Vor allem geht es um die Musik, die diese vier Menschen umtreibt.

Dafür steht ihnen gewissermaßen ein punkhistorisches Archiv zur Verfügung, aus dem sie spielerisch auswählen. Dass sie dabei dennoch in der Lage sind, über den Tellerrand hinauszuschauen, zeigt nicht nur der von einem Black Heart Procession-Song abgeleitete Bandname, sondern auch die ausufernden, instrumentalen Anfänge von »Drained« und dem schon erwähnten »Do Not Resuscitate« oder das Glockenspiel im wahrscheinlich besten Stück »All in Due Time«, das eine ähnliche Wärme wie mancher Hüsker Dü-Song ausstrahlt. Aber sowieso werden Genrefragen irrelevant, haben einen diese Songs einmal in ihren Bann gezogen. Die eigentümliche Melancholie in der Stimme, die kleinen Melodieschwenker, die sich tief einprägen, und die treibenden Beats können den endlich einkehrenden Frühling wohl kaum besser begleiten.

Martin Büsser, der im September 2010 im Alter von nur 42 Jahren gestorben ist, war nicht nur eine der klügsten Stimmen linker Auseinandersetzung mit Popkultur, sondern auch – was bedauerlicherweise selten zusammenfällt – eine der bekanntesten: Als Mitbegründer von Ventil Verlag und Testcard, als Autor diverser Texte und Bücher zu unterschiedlichsten Strömungen subkultureller Selbst(er)findungsübungen hat er zunächst die Szenedebatten maßgeblich geprägt und zunehmend auch darüber hinaus Gehör gefunden. Er hat frei von den üblichen Distinktionsstrategien und Auskennereien über Pop und dessen Mythen geschrieben, Zusammenhänge aufgezeigt und ästhetisches Urteilsvermögen und Aufmerksamkeit bewiesen, die weit über Szenebefindlichkeiten zum jeweils aktuellen Hype hinausgingen.

Der Sammelband »Dopplung und Deutung. Kritische Kommentare zur zeitgenössischen Kunst«, in dem die Kunsthistorikerin Annette Emde diverse Rezensionen relevanter Kunstausstellungen aus Konkret, Intro, Jungle World, Junger Welt und der Züricher Fabrikzeitung zusammengestellt hat, zeichnet nun Büssers Auseinandersetzungen mit zahlreichen Ausstellungen moderner Kunst nach. Der Band ist im März letzten Jahres im Ventil Verlag erschienen.

Es wird niemanden überraschen, dass diese Rezensionen auf die feierliche Bekanntgabe neuer Rekorde in Sachen Besucherzahlen oder Marktwert der Exponate verzichten. Büssers Blick auf Kunst der Moderne, vor allem auf ihre zahlreichen avantgardistischen Selbstaufhebungsversuche, gilt immer den gesellschaftlichen Bedingungen ihrer Produktion. Kunsthistorische Zusammenhänge erläutert er gespiegelt am politischen Gehalt ihrer aktuellen Aufbereitung durch die Kuratoren. So bleibt auch die ahistorische Lieblingsfrage haupt‑ und freiberuflicher Kunsterzieher nach der Intention des Künstlers, der sich zur Antwort dann meist »im Grabe umzudrehen« hat, konsequent ungestellt. Büssers Aufmerksamkeit gilt der gegenwärtigen Gesellschaft und ihrem Kunstbetrieb. Das ist nicht nur materialistisch im besten Sinne des Wortes, sondern nebenbei auch hochgradig lehrreich für alle, die für ein Studium der Kunstgeschichte keine Zeit haben oder nicht ganz zu Unrecht fürchten, dort auch keine befriedigenden Antworten zu finden.

Die Veröffentlichung der inzwischen selbst schon etwas älteren Texte ist vor dem Hintergrund ihrer eigenen Geschichtlichkeit nicht ganz unproblematisch. Ihrerzeit mehr oder weniger breit geführte Debatten wie jene um den esoterische Antipolit-Gestus der Neuen Leipziger Schule oder der angesichts des 11. Septembers vom Direktor des Pariser Picasso Museums angestoßene Streit um den Anteil der surrealistischen Avantgarde am Terrorismus sind längst abgekühlt. Auch der praktische Nutzen von Rezensionen lässt nach, wenn die Ausstellungen nicht mehr gezeigt werden und die Kataloge erst antiquarisch zu besorgen wären. Dennoch lässt sich »Dopplung und Deutung« auch heute noch über das (an sich schon völlig berechtigte) Erinnern an Martin hinaus lesen.

Zum einen bleiben Büssers Verortungen nicht auf tagesaktuelle Zusammenhänge beschränkt, zum anderen lassen sich auch letztere mühelos rekonstruieren, da Büsser die verschiedenen Positionen klar benennt und sich nicht in den Windungen eines undurchsichtigen Kunstdiskurses verstrickt. Fragen wie jene nach dem Zusammenspiel von Abstraktion und Eskapismus sind nach wie vor bedeutsam. Das Angebot avantgardistischer Kunst, sich nach 1945 als Künstler und Rezipient gleichermaßen als Verfolgter fühlen und inszenieren zu können, bedarf erst der historischen Dimension und widerspricht einem Mainstream, der alles andere als zu verstummen scheint. Einer der interessantesten Texte des Buches beschäftigt sich mit weiten Teilen der Kunstfotografie, welche die Malerei zunehmend aus den Museen und Ausstellungen verdrängen und sich dabei eines methodischen Ensembles bedienen, das entweder bereits in der Malerei der Moderne als überholt galt oder spätestens in den 60er Jahren ausgeschlachtet worden ist.

Büssers Perspektive ist bemerkenswert: Fachkundig, kritisch, aber nie überheblich oder sich in falscher Distanz herumdrückend. So wird er auch in Momenten schärfster Kritik, zum Beispiel an der Belanglosigkeit der sonst eher von der nichtdeutschen Presse verrissenen documenta 12, weder für »Ist das Kunst oder kann das weg?« Ignoranz noch für andere Versuche, die Kritik zum System zu verallgemeinern, instrumentalisierbar. Büsser zitiert einzelne Gedanken so unterschiedlicher Theoretiker wie Adorno, Foucault oder Debord, ohne sich den jeweiligen Traditionen unterzuordenen oder überhaupt sonderlich ins Detail zu gehen – auch, weil das derzeit vergeblich wäre. Zum gesellschaftlichen Stand der Kritik schreibt Büsser resigniert, dass man als Linker heute schon froh sein müsse, wenn über Kunst gesprochen werde, ohne das Künstlersubjekt als Genie in den Mittelpunkt zu stellen. Und tatsächlich wirkt die linke Theoriedebatte immer unangemessener, je stärker sich das Feuilleton darauf konzentriert, die Warteschlangen vor den Kunsthallen auszumessen.

Insgesamt ist »Dopplung und Deutung« trotz und wegen der Verhaftung der Texte an aktuellen Debatten und Ausstellungen ein sehr gelungenes Lesebuch zur Kunst der Moderne und eine gesellschaftskritische Einführung in die Kunstgeschichte. Obwohl die Texte heute keine Ausgehtipps mehr sind und nicht alle angerissenen Debatten noch akut sind, ist und bleibt bemerkenswert, wenn Vertreter der Neuen Leipziger Schule sich 2006 noch als Marktführer beleidigt geben, weil eine verschworene diskursive Hegemonialmacht ihnen irgendeine nicht näher bestimmbare Würde abspreche. Wer wie und warum von der Warenform absehen möchte und es dann doch nicht kann, ist eine Frage, mit der sich die Poplinke (nicht zuletzt dank Martin Büssers Impulsen) immer wieder beschäftigt hat und die hier auch die vermeintlich hohe Kunst umtreibt.

In beiden Sphären finden sich Strategien, der kapitalistischen Wirklichkeit Bedeutung abzuringen und in beiden Fällen ist das Nachdenken über Kunstprodukte auch Reflexion der verkehrten Gesellschaft. Das hat Martin Büsser in diesen Texten weniger theoretisch erarbeitet, als vielmehr höchst lesenswert vorgeführt. »Dopplung und Deutung« ist eine Sammlung kluger Beobachtungen und auch, wer keine einzige der besprochenen Ausstellungen besuchen konnte, wird dank Martin Büssers Wiedergabe noch etwas daraus lernen.

Martin Büsser: Dopplung und Deutung. Kritische Kommentare zur zeitgenössischen Kunst. Ventil Verlag, Mainz 2012, 256 Seiten

Die Musik der Berliner Band Psycho & Plastic bewegt sich irgendwo zwischen Electronica, Dance, Krautrock, Postpunk und Hip-Hop und erwächst zu einer wilden Mischform. Dabei wird zwar das althergebrachte musikalische Material ungehindert, um es jedoch mittels kompositorischer Verfahrensweisen sogleich von innen aufzubrechen. Marzena traf die Band aka Alexandre Decoupigny und Thomas Tichai in Berlin zu einem Interview.

Marzena (Beatpunk Webzine): Ihr beide ward vorher, jeder für sich, eine One-Man-Band. Wie kam es zur Fusion aus der Psycho and Plastic entstand?
Alex: Es fing alles 2009 an. Zu der Zeit hatten wir beide unsere One-Man-Bands unabhängig voneinander entwickelt und gedacht: lass uns mal zusammen eine Tour buchen. Das macht mehr Spaß und wir haben so ein abendfüllendes Programm. Auf der Tour hatten wir dann unglaublich viel Freude und gemerkt es funktioniert.
Thomas: Vor allem auch zwischenmenschlich.

Welche Musik habt ihr denn vorher gemacht?
A: Ich habe das Elektro-Folk genannt. Kurz vorher hatte ich mit Rae Spoon zusammen an seinem Album gearbeitet und diese Folk-Einflüsse mitgenommen; und daraufhin den Wunsch entwickelt Elektro-Folk zu machen.
T: Laut unserem Poster habe ich Elektro-Kraut-Hop gemacht. Das war so eine krude Mischung aus elektronischen Beats und ein bisschen Sprechgesang, viel Gitarrenarbeit und auch musikalischen Strukturen die grob aus dem Instrumental‑ und Avantgarde-Rock-Kontext kamen. Das war schon musikalisch und geschmacklich ein bisschen konfrontativ, jedoch ganz bewusst so.
A: Weswegen ich auch anfangen musste. Weil ich von den Harmonien und Strukturen eher Folk gemacht habe und er von den Beats her eher heftig war. Wir hatten aber auch ein gemeinsames Übergangsstück das hieß One-Man-Disco-Jam. Die Frühjahrstour 2010 hat wieder richtig Laune gemacht und vor allem das Feedback auf dieses gemeinsame Übergangsstück war enorm. Und deswegen haben wir angefangen mehr zusammen zu schreiben.
T: Im Frühjahr 2011 kam dann die erste offizielle Psycho&Plastic EP – Excessive Exposure – auf CD raus. Wir mochten die Tracks weil wir uns da beide einbringen, die aber auch anders waren als das jeweils andere vorher.

Wie lange macht ihr eigentlich schon Musik und welche musikalischen Einflüsse habt ihr?
A: Die erste Band in der ich gespielt habe war als Gitarrist einer Punkband, so Punkschrubbel – und dann natürlich Grunge. Damals fand ich elektronische Musik voll scheiße. In den 90ern war das noch eher so: Entweder Techno und House und so was oder Alternativ-Rock. Irgendwann saß ich an einem Vormittag stoned bei einem Freund mit dem ich viel Musik machte, der war Schlagzeuger. Sein Bruder war House-DJ in einer riesen Dorf-Disco und wollte uns immer zur elektronischen Musik bringen. Der spielte dann an diesem Vormittag so ein Stück und das war Leftfield „Original“ – die erste elektronische Platte die mich geflasht hat. Das war so kosmisch, also im Sinne von Universum, ich hatte das Gefühl: Jetzt fliege ich ganz weit draußen. So habe ich angefangen mich für diese Sounds zu interessierten. 1998 habe ich mir dann einen Computer gekauft. Da ich schon immer den Wunsch hatte Musik zu performen, wollte ich das dann auch mit elektronischer Musik tun – wobei der DJ für mich als Performer nie interessant war. Ich wollte diese Musik die ich so geil fand und von Platten kannte auf die Bühne bringen. Deshalb hatte ich dann irgendwann eine Band mit einem Bassisten und einem Sänger und ich stand mit so einem riesigen Computer auf der Bühne. Das erste Konzert mit diesem großen Desktop-Rechner habe ich 1999 gemacht.
T: 1990er Jahre, Space und Bewusstsein – ich habe in gewisser Weise eine ähnliche Reise gemacht. Am Anfang habe ich auch eher klassisch in Teenager‑ und Schülerbands Gitarre gespielt. Damals habe ich sehr viel Sixties, Psychedelic und Acid-Rock gehört. Über Krautrock kam ich dann zu der Erkenntnis: Moment, in den 70ern ging das aber dass die Leute mit Synthesizer und Elektronik und mit Gitarren und Schlagzeug gearbeitet haben. Und da habe ich dann erst Ende der 1990er, Anfang 2000 gelernt die Ohren wieder für Clubsounds, für tanzbare Musik aufzumachen. Über Can, Kraftwerk und Konsorten wurde bei mir das Interesse an Synthesizern und Elektronik erweckt. Dann war es aber so richtig Bähm: neue Welt, Ohren offen. 1999 habe ich meinen ersten Sampler gekauft. Damals spielte ich in einer psychedelischen Schwurbel-Band ohne Schlagzeuger. Wir waren zu dritt mit Orgel, Gesang, Gitarre und irgendwann Sampler auf der Bühne. Das klingt im Nachhinein bahnbrechender als es damals tatsächlich war – also vom klanglichen Ergebnis. Aber das Konzept war so angelegt.

Ihr habt jetzt im Februar eine neue Platte namens Shibuya Beach auf Eurem eigenen Label GiveUsYourGold herausgebracht. Wie lange habt ihr daran gearbeitet?
A: Die Stücke haben wir schon 2011 angefangen zu schreiben, direkt nachdem die erste EP draußen war.
T: Also so gute eineinhalb Jahre zwischen Beginn der Arbeit und der Veröffentlichung.
A: Kernarbeitszeit war der Februar 2012. Da waren wir zwei Wochen in Leipzig im „Greenfields Studio“, ein Open-Art-Space von Ben Sassen, und haben da aufgenommen. Damals hatten wir eine Hand voll Skizzen die wir dort ausgearbeitet und aufgenommen haben. Dann ging es noch mal eine zeitlang weil wir auf das Mixing gewartet haben. Ein Bekannter von uns, Giovanni Nicolletta, der auch schon das Album davor gemixt hatte…
T:…der steckte in seinem Umzug fest und zog ins Chez Chérie Studio hier in Berlin. Davon waren wir ein bisschen abhängig bis die Räumlichkeiten fertig waren und für diesen Mix zur Verfügung standen.

Was bedeutet Euch das neue Album?
T: Das bedeutet uns ganz viel! Zum einen weil wir damit unser Label gelauncht haben – was für uns beide immer ein Traum war ein eigenes Label zu haben. Zum anderen weil wir mit diesen Tracks eine lange Zeit verbracht haben und sie uns ans Herz gewachsen sind. Und wir sind auch sehr stolz drauf. Und natürlich haben wir Vinyl daraus gemacht. Das ist für uns beide eine Prämiere. Es war ein total überwältigendes Gefühl, das in der Hand zu halten – viel mehr als wir uns das vorher vorstellen konnten. CDs und Files und das alles haut einen nicht mehr vom Hocker weil man damit seit so vielen Jahren hantiert. Aber tatsächlich dieses Vinyl mit der eigenen Musik in der Hand zu halten, das war… großartig beschreibt es das gar nicht mal.
A: Genau das ist unbeschreiblich.
T: …epochal (lacht)
A: Das hat sich wirklich sehr speziell angefühlt.

Wo liegt denn eigentlich dieses Shibuya Beach?
A: Momentan auf Thomas Festplatte irgendwo in Berlin, auf dem Rechner der ihm gestern gestohlen wurde (lacht)
T: Vielleicht ist der schon gar nicht mehr in Berlin… Shibuya Beach entstand auf einer Reise im Zug. Als Konzept ist das für uns ein Sehnsuchtsort, ein projizierter, ein fiktiver, der Sehnsüchte nach diversen, auch zum großen Teil widersprechenden Dinge verbindet. Beach ist ja selbsterklärend, das ist das geflügelte Wort des Traumstrandes für viele Leute. Und Shibuya haben wir aus so einer diffusen Faszination für Japan gewählt, wo wir beide noch nie waren. Deswegen ist es zum einen tatsächlich wirklich ein bisschen Sehnsuchtsort für uns, zum anderen aber auch eine Umschreibung für alles futuristische, technische, abgespacete. Und dann der Clash mit dem Strand. Eigentlich ist es ein hochtechnologisierter Strand irgendwo in den Weiten des Alls…
A: Oder auch der Mikrokosmos, innen außen. Und so bisschen kam Shibuya – also wenn man das so aufdröselt wie wir auf das Thema kamen – durch Shimpei…
T: …ein japanischer Freund von mir der mittlerweile auch tatsächlich in Shibuya wohnt und da im Musikbusiness arbeitet…
A: … so geisterte auch plötzlich dieses Wort in unserem Universum rum. Shibuya Beach und die Platte sind für uns aber auch: Wir wollen diesen Status quo verlassen. Alle finden den Status quo geil und alles soll bewahrt werden – sowohl gesellschaftlich als auch musikalisch und so was. Aber der Status quo stinkt und unser künstlerisches Statement ist: nach vorne bewegen, machen, tun… deswegen auch diese Bewegung auf diesen Shibuya Beach.

Im Track Schizoparty singt ihr von auf Balkan feiernden und Vodka saufenden Prolls und von einer Gesellschaft die glaubt dass das ganze Deutschlandprogramm und Retro-Fashion das einzig Wahre aber auch unabänderlich ist. Inwieweit kann Eure Musik dazu beitragen, Denkprozesse und Veränderung anzustoßen?
T: Inwiefern die Musik dazu beitragen kann, das weiß ich gar nicht. Das muss sich ja zeigen, also in den Leuten. Was wir machen können ist: Wir stellen uns auf die Bühne oder ins Studio und performen Dinge oder Texte die uns am Herzen liegen. Und dazu gehört zum Beispiel dass uns der Status quo ankotzt, der ja perverser Weise auch noch sehr stark – und auch das hat uns beschäftigt als wir die Platte machten – nicht nur von dem bewahrenden ergo konservativen Geist durchdrungen ist, sondern von so einem Retro-Gedanken. Alles was nicht mehr ist, ist irgendwie Hype, und dadurch ist es wieder, stinkt aber schon zum dritten Mal. Und da ging es uns einfach um das: Wir wollen nach vorne, wir wollen da weg. Und natürlich hängen wir da selber auch drin. Wir sind ja Teil dieser Realität. Und wir können eigentlich nur versuchen das auszudrücken – ob verbal oder musikalisch. Das ist unsere Art das zu tacklen. Ob das eine gelungene Art ist, ob das eine Art ist die jemand auch tatsächlich so auffasst wie wir sie meinen und irgendwie damit nach Hause geht und sagt: Die Jungs haben ja recht! Das kann ich gar nicht beurteilen. Das liegt nicht an mir und das ist auch nicht unser Anspruch da belehrend oder weltverbessernd im direkten Sinne zu sein. Sondern es geht eher drum, wenn überhaupt, durch das was wir machen ein bisschen den Trott aufzubrechen. Das die Leute mal was hören was sie sonst vielleicht nicht hören. Ob das jetzt ein Sound ist, ob das ein Wort ist, ob das ein Zusammenhang ist. Ob das dann jemand annimmt oder mit nach Hause nimmt oder zu Hause grübelt oder tanzt oder sowas, das sei jedem selber überlassen.
A: Wir könnens halt nur machen und jedes mal wenn wir spielen haben wir den Anspruch zu brennen und andere dadurch anzustecken.

Ihr kritisiert im Track Antigrams Retro-Chic und Nostalgie. Insgesamt sagt ihr, ihr wollt den Status quo verlassen und eure Platte insgesamt soll zukunftsgewand, nach vorne gerichtet sein. Doch selbst verwendet ihr beispielsweise Instrumente wie ein Kinderspielzeug-Keyboard, den Casio-Rapman aus den 1990ern oder auch Software wie Retro-Synth-Sound mit der ihr die Streicher im Stück EmmBeeErr produziert habt. Ist das nicht ein Widerspruch?
T: Nein, das ist kein Widerspruch. Zum einen können und wollen wir nicht so eine Stunde Null Legende schaffen, wie das im Punk versucht wurde. Uns ist klar wir haben eine persönliche Geschichte, wir haben diese popmusikalische Geschichte von der wir beeinflusst sind. Wir haben ja vorhin von Sachen geredet die uns sehr viel bedeuten, die auch alle älter sind. Das ist das eine und alles was wir machen sind gewachsene Strukturen und gewachsene Gedanken. Wir schneiden das nicht ab und sagen irgendwann: Jetzt alles neu und wir haben neues Equipment. Das fände ich auch nicht zielführend. Sondern es geht darum, was man mit den Dingen tut, wie man sie verwendet. Das ist Werkzeug. Ein Hammer wird dadurch kein schlechtes Werkzeug nur weil er schon seit Jahrhunderten existiert. Ein Hammer wird zu einem schlechten Werkzeug wenn ich damit schlechtes Handwerk mache. Meistens war es so in der Musikgeschichte, dass zwischen der Zeit in der eine Erfindung getätigt wurde oder ein neues Instrument erschien und in der Zeit in der es dann tatsächlich zukunftsweisend eingesetzt wurde durchaus einige Jahre ins Land gegangen sind. Also selbst die Innovationen, um jetzt auf vorhin zurückzugreifen, mit denen Kraftwerk ihren zukunftsweisenden Sound gemacht haben, waren zum Teil Erfindungen der 50er wenn nicht sogar der Vorkriegszeit.
A: Das ist aber auch eine Haltung: arbeite mit dem, was Du hast. Es geht ja nicht nur um den neusten, heißesten Scheiß. Das ist ein Konsumgedanke den wir beide nicht pflegen. Es geht eher darum was jetzt gerade verfügbar ist und sich damit dann inhaltlich auszudrücken – und zu brennen.

Und wie geht ihr mit der Standardisierung und Stereotypen bezüglich Technik oder tradierten Tonsystemen um? Also diese schon im Voraus kalkulierbaren und ewiggleichen wiederkehrenden Muster die ja für die Kulturindustrie kennzeichnend sind?
T: Ich glaube teilweise versuchen wir es zu vermeiden, teilweise ist es uns fast in Fleisch und Blut übergegangen damit zu brechen. Wenn man sich die neue Platte anhört dann ist glaube ich sehr klar dass alleine die Auswahl der fünf Tracks, diese auf eine Platte zu packen, mit einer Standardisierung bricht. Das sind sehr unterschiedliche Tracks, dieser Klassiker: ‚Mach eine Sache die alle geil finden und dann mach sie noch fünf mal und verkaufs als Platte’ trifft bei uns gar nicht zu. Nicht aus weltanschaulichen Gründen – oder vielleicht auch – aber eher aus diesem tatsächlich persönlichen Antrieb. Wir wollen uns dem nicht beugen, sondern machen worauf wir Lust haben und was wir gerade gut finden. Und das führte zu dieser Platte, auf der schon die Songauswahl mit einer gewissen Standardisierung bricht. Und dann noch wie die Songs oder die Tracks strukturiert oder geschrieben sind: Da sind diverse fast schon Sollbruchstellen eingebaut. Wenn man es aus dem Blickwinkel betrachtet den Du gerade angerissen hast.

Ja, diese Bruchstellen sind mir auch aufgefallen. Denn beim Hören Eurer Platte Shibuya Beach scheint alles sehr rhythmisch und sehr groovig zu sein, gleichzeitig aber auch total stockend und sperrig. Ebenso wirkt Eure Musik sehr harmonisch, und gleichzeitig sehr atonal. Bei manchen Stücken passiert das alles sogar gleichzeitig und trotzdem so dass es zunächst nicht auffällt. Wie schafft ihr es trotz dieser paradoxen Spannungen am Ende ein solch explosives, ästhetisches Sinn-Gefüge entstehen zu lassen?
A: Ich denke das ist so weil wir so sind wie wir sind.

Wie seid ihr denn?
T: Genius (lacht)
A: Wir sind einfach so in unserer Pluralität.
T: Und es ist Ausdruck unserer persönlichen Komplexität. Die Realität ist auch so unglaublich komplex und es passiert so unglaublich viel gleichzeitig, es passieren die widersprüchlichsten Dinge gleichzeitig und die Kulturindustrie ist oft nur singulär interessiert. Es geht dann um ein bestimmtes Thema und nur darum – darauf wird dann fokussiert. Wir wollen aber dieser Gleichzeitigkeit Rechnung tragen – in unseren Gedanken, in unserer Musik. Gleichzeitig müssen wir es aber auch, weil es anders zu machen uns sonst selber langweilen würde.

Wie reagieren dann die Leute auf Eure Musik?
A: Von ‚extatisch’ über ‚gar nicht’ bis ‚abweisend’ (lachen)

Ich war gestern bei Eurem Auftritt hier in Berlin. Auffallend finde ich, dass bei Euch kein Gig wie der andere ist. Es macht sogar den Anschein als würdet ihr die Tracks immer wieder neu erfinden, wodurch jede Show für sich auch ein neues, tolles Erlebnis ist. Inwieweit existiert eine basale Struktur, eine Art Basisset mit dem ihr spielt und wie viel Improvisation steckt dahinter?
A: Kommt auf das Stück drauf an. Also manche Stücke sind wirklich super klar strukturiert und haben klare Abläufe wo wir genau wissen wer wann was tut. Aber weil viele Elemente aus den Fingern kommen oder live gespielt werden haben die immer wieder ein anderes feel. In der Struktur haben sie zwar ihre vorgegebenen Abläufe, aber da wir sie spielen klingen sie anders.
T: Weil wir sozusagen der menschliche Unsicherheitsfaktor sind, der performativ eingreift und das ist jedes mal ein bisschen anders. Manchmal ist es im mikroskopischen Bereich anders und manchmal wird es schon eher Makro.
A: Und manchmal muss man kompensieren weil man vielleicht etwas verbockt hat oder die Technik spinnt. Dann wird improvisiert, weil dann der Track nicht so läuft wie geplant und dann passieren Fehler und mit denen spielen wir auch gerne.

Geht dann also auch manchmal etwas schief?
A: Ja sicher, das Risiko gibt es, muss es geben. Wir spielen mit diesem Risiko, die Show ist auch auf Risiko angelegt. Deswegen bauen wir auch Dinge ein, die man eigentlich automatisieren könnte, die dann aber von Hand bedient werden. Da bauen wir uns Fallen ein – jetzt nicht absichtlich. Wir bauen einfach Unsicherheiten ein wo ich und Thomas bestimmte Aufgaben haben, die auch schief gehen können.
T: Ja, weil Risiko reizvoll ist. Und Risiko ist auch gleichzeitig das, was einen anspornt. Im Idealfall führt es dazu dass man wirklich ab und zu Dinge tut über die man selbst im positiven Sinne überrascht ist. Bei manchen Tracks sind mehr solcher Stellen eingebaut oder ist generell von vornherein mehr Freiraum für Improvisation eingeräumt, wo wir uns auch tatsächlich gegenseitig bei den Gigs überraschen. Bei manchen Tracks passiert es dann weil einer von uns was macht oder weil mal an der Technik was hakt, das kann ja auch vorkommen. Und dann wird das anderweitig kompensiert. Ein anderes Phänomen ist glaube ich auch, dass manche Leute im Publikum unsere Gigs in einem Maße unterschiedlich wahrnehmen in dem wir das gar nicht tun. Diese Reaktion kriegen wir tatsächlich öfter zu hören. Das kann am Raum, am Vibe, an der Anlage, an sonst was liegen. Aber auch dadurch dass die Musik so vielschichtig ist wie Du es auch vorhin angesprochen hast, und dass so viele Dinge gleichzeitig passieren. Und dann je nach Tagesform des Publikums oder des Individuums im Publikum einfach der Fokus auf anderen Dingen liegt. Dadurch entsteht vielleicht der Eindruck: Das war ja ein neuer Track. Und dabei spielen wir den vielleicht immer. Es passiert uns öfter, dass Leute drei Gigs nacheinander sehen und nach dem dritten sagen: Ja Mensch, heute habt ihr ja ganz viele neue Sachen gespielt.

Ihr hattet vor kurzem Eure erste Veröffentlichung auf einem Major-Label, ein Remix des Tracks The Jig is up der norwegischen Band Heroes and Zeros, es existiert ein erstes Video von Euch und die Platte Shibuya Beach scheint im Gegensatz zu Eurer letzten EP vielfältiger, elaborierter und ideenreicher zu sein. Wird es so exponentiell weitergehen, oder was kann man in Zukunft von Euch erwarten?
T: Ja, also die näherliegenden Pläne und der Fokus liegen für dieses Jahr vor allem auf Live-Aktivitäten. Wir werden spielen, spielen, spielen im ganzen Land und darüber hinaus – hoffentlich – um möglichst viele Leute überhaupt erst mit unserer Musik in Kontakt zu bringen. Wir werden weiterhin ab und zu kleinere Überraschungen präsentieren, so wie wir es mit den Remixen auch gemacht haben. Und natürlich ist der mittel‑ oder längerfristige Plan immer die nächste Platte. Nach dem Spiel ist ja vor dem Spiel und die schwebt uns natürlich schon im Kopf herum und wird auch irgendwann konkret angegangen. Aber dafür gibt es noch keinen Veröffentlichungszeitplan oder so was.
A: Was wir aber gerade auch machen: wir experimentieren viel. Wir schicken uns gerade Sachen hin und her, wir machen uns viele Gedanken darüber wie wir diesen experimentellen Geist den wir haben noch weiter puschen können.
T: Diese ganzen tollen Punkte die Du an der aktuellen Platte schon gelobt hast, die wollen wir alle noch auf die Spitze treiben für die kommende.
A: Destillieren, immer weiter destillieren…(lacht)

Dann freuen wir uns natürlich darauf. Ich danke Euch herzlich für das Interview.

Wer Psycho & Plastic einmal live sehen will, hat dazu in den nächsten Tagen die Gelegenheit. Am 18.04.2013 in der ZMF in Berlin und am 19.04.2013 im Hamburger Gängeviertel.

Unter Umständen ist es vielleicht ja auch einfach so. Vielleicht sind die auch einfach so: still D.I.Y in besagtem Kulturbetrieb. Ganz egal. Das sei direkt angeführt, um in dieser Besprechung wenigstens etwas Negatives sagen zu können. Um nicht zu euphorisch durchzugehen. Denn candelillas mühevoll (denn das ist sie) verpackte Scheibe haut mich doch aus den Socken. Das liegt zu irgendeinem späteren Zeitpunkt in der Genusskurve auch mit Sicherheit an der Produktion von Steve Albini, vor allem aber an denen: candelilla.

Diese ganzen Konzepte, Stücke nicht mit programmatischen(?) Begriffstiteln oder gefühlt passenden Worten zu versehen, sondern mit Zahlen, dieser ganze Background – die Artschool-Ebene: »Hey, wir schreiben alle, und malen, Performanz, Video, Kabel, Frischhaltefolie, THEATER!« – das ist alles interessant, wichtig, Teil des Ganzen, ABER: die Musik reicht mir schon für mein Urteil. Eine Wahnsinnsplatte! Vielleicht die ersehnte Erneuerung des Hamburger ZickZacks. Aber rücken wir mal die Musik ins Zentrum, schließlich ist es in diesem Fall ja auch das öffentlichkeitswirksamste Medium. Außerdem haben diese starken Songs es mehr als verdient!

»28«: Schlagzeug und Gitarre, in den ersten Takten bis zum Gesang, könnten auch von einer der verschiedenen Albini-Bands kommen, frühe Shellac am ehesten, dann aber die schönen Gesänge, sich in unterschiedlicher Stimmung verschachtelnd, kryptisch, in zeitloser Sprache, deutsch-englisch, kunstsprachelnd: eine Aufregung, innerliche Unruhe, der intelligente Versuch, hochkomplexe Situationen zu verhandeln. So das Prinzip. Diese Textur zeigt sich immer wieder auf »Heart, Mutter«, dem Drittling der Münchner Vierlinge.

So wird die Platte zum sich klanglich aufschichtenden Werk einer intellektuell ganz heterogenen Gruppe. Stimmen und Intensitäten überlagern sich. Dann der deutlichste Bruch: das Tasteninstrument. Die Melancholie kehrt ein, deutlicher als in der Stimme. Dann ist der Auftakt auch schon vorbei, es folgt (»ZickZack, mind your luck? « – ein Zufall? Humor?) das perfekte zweite Stück. Härter nach vorne, manifest, steile Spannungskurve, einbrechender Wahnsinn, Ekstase, Alkohol. »Und neu sagen wir schon gar nicht, das spucken wir aus«, ein magischer Satz, so viel Selbstbewusstsein, etwas von oben herab, dabei in sich gekehrt. Das kippt dann aber auch direkt wieder, die »30“ wird am Ende ganz zart. »Heart Mutter« ist schon nach diesen wenigen Minuten ein Wechselbad der Gefühle, wie ein Leben. So warten noch viele weitere Überraschungen, direkt im Anschluss zum Beispiel (»27«), Synthesizer mit hookschen Bassläufen im Übergang zu Sonic Youth. Die durchweg starke Eigenständigkeit der Stücke im Vergleich zueinander verbietet es dabei, ein Highlight zu markieren: alles leuchtet! Dabei klingen candelilla so intensiv wie schon lange keine Noiserock-Band mehr, sind ganz vorne, nah an den Ohren, weiter noch in Hirn und Herz.

Obwohl … doch, ein Stück sticht für mich hervor, auch wenn das schwer ist: »29« (haben die eigentlich daran gedacht, wie sich das mit den Zahlen für Rezensenten anfühlt) schnellt sehr tanzbar nach vorne, der 90er-Emogesang nimmt einen mit, die Tasten verdeutlichen, dass es sich hier nicht um den X-ten Synthie für die Fläche und Dichte handelt, sondern um ein Instrument, das die Verbindung von Coolness mit Intelligenz, den Tanz von Revolte und Traurigkeit vertont. Und wie schon erwähnt, hat auch der Online-Scrabble-Profi Albini hier ganze Arbeit geleistet, dem Schlagzeug viel Raum geschenkt, den es auch zu nutzen weiß.

Bis zur »22«, dem 12. und letzten Stück auf »Heart, Mutter«, passiert ganz schön viel, das Spektrum der Stimmungen ist breit, der Groove verpflichtet einen im Zusammenspiel der vier Instrumente und drei Gesänge, aufmerksam dabeizubleiben. Und bis zum Schluss sind die Füße in Bewegung. »Heart, Mutter«, das Gegenteil der Langeweile, intelligent und irgendwie auch ziemlich sinnlich. Die mitschwingende Riot Grrrl-Attitüde von candellila bleibt dabei ein Aspekt von vielen und wirkt niemals wie der Zweck, der sich seine Mittel gesucht hat. Ohne es zu wissen, habe ich wohl auf so etwas gewartet! Kleine Kerze? Großes Feuer!

Sowohl Johnny Marr als auch Sixto Rodriguez sind mit jeweils einem Stück auf unserem aktuellen Mixtape zu finden.

Snowmageddon peitscht seine Schneepferdchen über den Hudson. Der Himmel glänzt frisch geteert, New Jersey ist von barocken Wolken verschluckt. Der Mast einer Jacht schaukelt hektisch im Wind. Ich habe mich in eine Ecke hinter zwei berollte Kleiderständer verzogen und kippe mir den letzten Schluck Codeinsaft in meinen geschundenen Rachen. Gestatten: Mara, # 7. Das ist mein Name, für heute.

Vor einer Woche bin ich nach New York gezogen, und vor fünf Tagen hat mich ein weißes Kaninchen in eine andere Welt gelockt. Ein weißes Kaninchen in der Haut einer blondierten Castingagentin namens Chrissie. Ich stand gerade in der Subway und war – noch im Schlafanzug – auf dem Weg zur nächsten Apotheke.

Es tue ihr sehr leid, mich so einfach anzusprechen, raunt Chrissie Kaninchen in mein Ohr, sie arbeite für eine Castingagentur und am kommenden Freitag sei eine Fashionshow, für die ich perfekt geeignet wäre. Ja genau, denke ich, und tarne meinen Lachkrampf hinter kläffendem Husten. Tess Giberson sei der Name der Designerin und in der Show würden auch Künstlerinnen wie Caroline Polachek und Elizabeth Hart Kleider präsentieren.

Tut mir leid, noch nie gehört. So sorry!
Ob ich Zeit hätte? Ob ich gleich jetzt die Designerin treffen könne?
Hoho, Blondie, immer ruhig! It’s way too early to end chopped up in a trash can!

Meine E-mail Adresse rücke ich trotzdem raus. Schließlich bin ich in New York und dann doch irgendwie gewillt, mich weniger zu zieren. You go, girl! Also kaufe ich nebst Hustensaft noch ein neues Prepaid-Telefon (mein altes liegt auf einem Rastplatz begraben, hallo Basti!) und recherchiere die Namen der Damen und die Adresse, wo ich vorsprechen soll. Alles koscher. Die nächsten Tage verbringe ich mit Vorlaufen und Anprobe. Zum Glück hat mich meine Abschlusstournee durch Berlin und Hamburg mit Whisky und Kippen in Form gebracht, sodass ich auf dem Weg in die Skinny Jeans nur ein klein bisschen die Luft anhalten muss, und zum Glück schlurfe ich nicht nur in 14-Loch Dr. Martens durch die Gegend, sondern auch auf 8cm Absätzen. So wird mein Laufen mit einem »You have a great walk!« quittiert. Schwein gehabt! Überhaupt sind alle furchtbar nett, wirklich nett, nicht nur amerikanisch. Glaube ich zumindest. Tess erklärt mir die Idee hinter ihrer Kollektion, die den Namen »Evolution« trägt: ihre Eltern sind Künstler; es geht um die Prozesshaftigkeit von Kunst und Kunsthandwerk allgemein und konkret um die ästhetische Kombination eines Quilts aus den Händen ihrer Mutter mit Tess’ persönlicher Vorliebe für schwarz. Die Mitarbeiter nennen mich »such a good sport«. Kein schleimiges Brillengeschwader, keine Heidi Klum weit und breit. Und schwarze Klamotten sind ohnehin immer ein Knaller.

Jetzt hocke ich also hinter den Kleiderständern und warte auf meinen Auftritt. Es ist 9:30 Uhr, vor zwei Stunden bin ich im Chelsea Pier 59 angekommen. Früher liefen hier Schiffe ein, heute Models auf und ab. Mag nach einem dramatischen Wandel klingeln, tatsächlich könnte der Duft von Schweröl ferner nicht sein. Aber das sind oberflächliche Spitzfindigkeiten. Heißt ja nicht umsonst Mode i n d u s t r i e. In der weiß lackierten Halle wuselt es wie in einem Ameisenhaufen. Jede Ameise hat eine Aufgabe. Es gibt Ameisen mit Headsets und Klemmbrettern, die haben den Überblick. Es gibt Ameisen mit Fön und Nagellack und Pudern und Pinseln, die machen Haut und Haare schön. Es gibt Ameisen, die helfen beim Anziehen, Security-Ameisen und Catering-Ameisen. Ich bin keine Ameise. Ich bin # 7. Weniger ein Model, als eine bestimmte Ausstattung innerhalb einer Flotte. Eine Anziehpuppe aus einem Kleiderbogen, die ausstaffiert wird, bis sie bereit ist auszulaufen. Es muss hart sein für Mädchen, die bestreben, sich in dieser Branche mit ihrem Namen zu etablieren. Der Bedarf an Prototypen aka Supermodels ist limitiert. Doch bar dieser Bestrebungen bietet die Welt der Mode ein ganz prächtiges Spektakel, von dessen Glitzern ich mir einen Vormittag lang nur allzu gern den Kopf verdrehen lasse. Und was es nicht alles zu bestaunen gibt!

Kaum habe ich die Schwelle übertreten, nimmt mich ein strahlendes Wesen mit Headset an die Hand: »You are Mara? Great! Come with me, I would love to get you into hair!« Into hair! Wie wundervoll! Ich werde zu einer mit unzähligen Glühbirnen verzierten Spiegelbar bugsiert und sofort wird mein Haupt mit diversen Wässerchen und Elixieren benetzt, glatt geföhnt und wieder strubbelig gelockt. Ich soll genauso aussehen, wie der Zottel, der ich morgens bin – nur in schön. Meine Metamorphose von Zottel A in Zottel A’ dauert eine geschlagene Stunde. Halleluja! Und weil der Look so unglaublich natürlich ist, werden mir am Ende der Verwandlung Pappkarten an die Schläfen geheftet – nicht, dass ich aus Versehen ein zweites Mal into hair manövriert werde. Nach hair geht es zwei Meter weiter into make-up. Auch hier das gleiche Spiel. Mein von Natur aus frisches Wangenrot wird unter Grundierung, Concealer und Make-up versteckt, nur um dann mit Blush wieder nachgeahmt zu werden. »It’s all about showing the natural beauty!« Allrighty allmighty! Nebenbei werden meine Fingernägel von dutzenden Manicurists gesalbt, gefeilt, entölt, poliert und mit vier Schichten Lack mitternachtsblau gefärbt. Nach diesen Veredelungen geht es das erste Mal into dressing. Auf zehn hufeisenförmig angeordneten Kleiderwägen hängt die Garderobe von insgesamt zwanzig Models. Jeder Wagen wird von einem fitting assistant betreut. Meine Anziehhelferin heißt Caroline, kommt aus Texas und trägt einen Westernhut. Caroline passt auf, dass sich meine Piercings nicht im feinen Geschmeide verfangen und bietet mir ihre Schulter zum Abstützen, als ich in die 5 inch Heels Manolo Blahniks schlüpfe. Wie durch ein Wunder passt mein Outfit noch, und ich darf bis zur Show wieder in meiner eigenen Kleidung herumlungern.

9:45 Uhr. Die Musik aus dem Showroom wird lauter. »Cathedral«, so hat Tess den Soundtrack beschrieben. Abstrakte Laute, die wie ein Choral durch nicht vorhandenes Gewölbe wabern. Ich hätte Also Sprach Zarathustra gewählt, aber mich hat ja niemand gefragt. Plötzlich Tumult. Caroline winkt mich aus meiner Ecke hervor, schnell auf die Toilette, dann rein ins Dress. Der letzte Knopf ist noch nicht geschlossen, da stürmt ein Heer von Fotografen auf mich zu. Die Leute von Getty Images. Kinn runter, Kinn höher, Finger vors Gesicht, Hände weg, lächeln, nicht lächeln, du meine Güte! Dann: Aufgestellt zur Generalprobe! Eine Ameise mit Klemmbrett erklärt uns den Lauf. Die Bühne besteht aus vier diagonal ausgerichteten Holzpodesten. Einzeln müssen wir die Podeste umrunden, dann der Reihe nach die Podeste auffüllen. Vier Models auf einem Podest. Drei Minuten still stehen, auf keinen Fall ins Publikum gucken! Danach in umgekehrter Reihenfolge wieder runter vom Holz, diesmal gemeinsam eine Runde drehen, und ab hinter die Bühne. Das ganze vier Mal. Vier Mal?! Hinter mir stöhnt Indre #8. »I can’t walk in these shoes!« Eine andere Nummer bekommt einen höllischen Hustenanfall. Panik in ihren Augen. Ich haste aus der Reihe und drücke ihr Bonbons in die Hand.

10:55 Uhr. Jetzt ist es ernst. Noch fünf Minuten bis die Show beginnt. Wir stehen in einer Reihe, neben uns eine Armada von Mechanikern. Die Showmanagerin zieht die Kleider gerade und entfernt unsichtbare Fusseln. Ein Hairstylist zupft Strähnen zurecht, eine Make-up Artistin kaschiert vermeintliche Hektikflecken. #1 ist draußen. Ich rücke vor. Ein Jüngling wirft sich mit einer Taschenlampe bewaffnet vor meine Füße und zückt seinen Pinsel. Das gibt es hier also auch, eine Ameise, die Füße schminkt. Assembly Line, schießt mir verwundert durch den Kopf, da stehe ich schon ganz vorne. Ein Mitglied der Abteilung Headset umschlingt meine Taille und schenkt mir das bezauberndste Lächeln der Welt. »You look amazing,« macht sie mir Mut, und mit einem »Good luck!« schubst sie mich sanft auf die Bühne. Ich stolziere raus ins Blitzlichtgewitter und wundere mich nur, wo meine Aufregung bleibt. Die Fotografen sind Pöbel an der Straßenecke, ich bin das Cool Girl, das eiskalt an ihnen vorüberzieht. Ohne zu stolpern schaffe ich es aufs Podest und wieder herunter. Hinter der Bühne sofort wieder Einreihung in die Assembly Line. Caroline eilt herbei und reicht mir Wasser. Haare werden gerichtet, ein Schritt vor, Nase wird gepinselt, ein Schritt vor, Hose wird entflust, ein Schritt vor, raus für Runde 2. Laufen, stehen, laufen, Assembly Line, Runde 3.

Ich stehe auf dem Podest und konzentriere mich auf einen Punkt im Himmel. Meine Füße funken SOS. Einfach ignorieren. Der Himmel langweilt mich. Ich schiele auf die Models vor mir. Bei manchen zittern die Waden bedenklich. Oh mein Gott, bloß schnell weggucken. Einatmen, ausatmen, einatmen, ausatmen. Ob jemand merkt, dass ich mit den Zehen wackele? Die Musik nervt. Konzentration! Die Scheinwerfer blenden. Reiß Dich zusammen! Schweißtropfen perlen zwischen meinen Schultern herab. Vielleicht sollte ich bis 100 zählen? Ich bin #7, meine Koordinaten: Podest 2/Position 3. Die Kollektion heißt Evolution. Modisch stehe ich auf der Schwelle vom Jungpaläolithikum zur Mittelsteinzeit. Ein ausgedientes Fischernetz dient mir als Kleid, der dicke Pelz ist ein Relikt der letzten Eiszeit. #5 trägt auch Fell, #8 kennt keine Kälte und steckt in einem klima-adequaten Mini. Ich würde jetzt gerne gehen. Warum fuchtelt da eine Ameise im Publikum mit den Armen herum? Meint die mich? Endlich, #4 stakst vom Podest. Aber warum kann ich #1 – #3 nicht sehen? Scheiße, #4 ist anscheinend nur umgeklappt, nur umgeklappt, haha! Wie heißt doch gleich die Künstlerin, die nackte Models in Museen herumstehen lässt, bis diese vor Erschöpfung zusammenbrechen? Beecroft, Vanessa Beecroft. Vielleicht ist diese Show erst dann zu Ende, wenn die letzte von uns am Boden liegt? Survival of the fittest? Immerhin bin ich nicht nackt und in Fischabfällen muss ich auch nicht baden. Also alles halb so wild. Sind die drei Minuten immer noch nicht um? Doch, jetzt, anscheinend wirklich. Das erste Podest ist bereits im Abmarsch, #5 rechts neben mir setzt sich auch in Bewegung. Ich glaube, wir torkeln. Backstage empfängt uns brausender Applaus. Der vierte Akt ist spontan gestrichen worden, dafür mussten wir eben länger stehen. Erleichterte Enttäuschung. Und jetzt? Nichts.