Umfallen? Durch trinken? Sind die peters. eine Trinkerband? Sofern sie es sein sollten, was sie für sich vermutlich niemals proklamieren würden, sind sie dann doch keine Trinkerband im klassischen Sinne. Trinker, in diesem Sinne, vielleicht: immer bereit eine Geschichte zu erzählen und noch ein Bier zu bestellen, egal wie sehr sich die Zeit beeilt. Eine Nacht geht nie zu Ende. Und diese Ruhelosigkeit, an deren Ende viel zu oft ein ungutes Gefühl auf dich und mich wartet, wenn das Zimmer viel zu klein ist, um dem Kater ein warmes Plätzchen zu bescheren, durchzieht diese Veröffentlichung wie selten eine Platte. Die deutschsprachigen Texte legen sich wie eine Decke aus Drahtwolle auf ein Bett in dem jemand schläft von dem man nur die Freunde kennt. North Of America, Q And Not U und Les Savy Fav sind für die fünf Musiker sicherlich keine Unbekannten.

Dennoch ist der Sound stringenter, näher an der Melodie, die sich vielleicht mal verbirgt, irgendwann dann doch wieder auftaucht. Der Punk vergangener Tage ist nicht gänzlich verschwunden, komplett raus. Nur mal beim Friseur gewesen, hat sich eine neue Jacke gekauft oder vielleicht auch nur das Dosenbier gegen eine Flasche Beck’s getauscht.

Bei den peters. kommt viel zusammen, das man eigentlich getrennt kennt. Eigenwilliges Gitarrenspiel das zum Lärm tendiert wird für die saubere Linie um eine Orgel ergänzt und dann zu einem Rhythmus, der keiner sein will.

So bleibt der deutsche Gesang das einzige Fragment aus den Deutschpunk’esquen Zeiten der peters., die mit »Auffallen durch Umfallen« der affektierten Masse von langweiligen Bands, die »so was mit Gitarre und deutschen Texten« machen, mal ’nen Schnaps spendiert haben und mit ihrer Musik eindeutig in Hamburg angekommen sind. Ach so, und natürlich Texte zum Nachdenken!

Mit jener skalpellscharfen Stimme, ließen sich noch aus dem abgestumpftesten Subjektpanzer Regungen der Rührung, der Melancholie oder der Ausgelassenheit herauspräparieren. Jedenfalls »Separation Road« von Anna Ternheim oder Feists »Reminder« waren geeignet, neue Wunden zu reißen oder alte zu schließen. Auf dem OP-Tisch der bürgerlichen Gesellschaft haben sie das private und das gesellschaftliche Elend für zwei Albumlänge prompt wegnarkotisieren. Liebeskummer, Zukunftsängste, Pro-und-Anti-G8-Theater, Mügeln, Marco und Münte, Hausdurchsuchungen, Klimawandel und Vorratsdatenspeicherung – hau bloß ab … und nimm bei dieser Gelegenheit »The Long Memory« am Besten gleich mit.

Obwohl der Longplayer von Clara Luzia im Grunde genommen toll sein könnte, bleibt die ernüchternde Einsicht: er ist es nicht. Die Platte verfügt zwar über ein schönes Songwriting, eine breite Instrumentenpalette und erfrischende Ideen, die Clara Luzia sogar aus dem miefig, lodernden Feuer der Vorhölle Wien geholt hat. Nur bleibt das Problem, dass ihr Gesang nicht funktioniert. Er ist nicht außergewöhnlich oder zumindest ausgebildet genug, um souverän im Vordergrund zu punkten – oder um das Skalpellbild von eben noch einmal abzustauben: er ist ein wenig stumpf.

Darüber hinaus sieht das Artwork unglaublich scheiße aus – eigentlich ungewöhnlich für Unterm Durchschnitt-Veröffentlichungen möchte man meinen, wüsste man nicht, dass es sich bei Asinella um ein selbständiges Sublabel der Kölner Qualitätsschmiede handelt. Depressive Clowns(?) am Hafen? Ernsthaft: Schiffe, Meere, Matrosen und Hamburger Ansichten in allen Ehren aber Aquarelle von bedröppelten Menschen und Schweinen im Frack fördern nicht gerade den Ruf.

Zwei große Ausnahmen gibt es auf »The Long Memory« jedoch, die für allerlei entschädigen und die man bei aller Gehässigkeit¹ nicht unterschlagen darf. Zu nennen wäre »Gladly Away«, das mantrahaft seine Kreise zieht und sich 3 ¼ Minuten irrwitzig steigert, um dann mit einer dezenten E-Gitarren-Rückkopplung wieder in Stille abzuebben. Den zweiten Glanzpunkt setzt der ohne Abstriche grandiose Hit »Morning Light«, der einem nach nur wenigen Umdrehungen die Wahrheit »this is a sad, sad song« mit Handclaps, Banjo und famosen Spannungsbögen in die Hirnrinde bohrt.

Anmerkungen

1. bei uns gehen Schweine durch, sie dürfen sogar schreiben

Wespenstich
Ein Song übers Davonlaufen, einer jedoch ohne Gewaltphantasien oder großartigen Kitsch. Die splittrige Stimme ergänzt sich mühelos mit der übrigen Instrumentierung, die Bilder, die der Sänger sprachlich hervorbringt tun ihm weh und irgendwann tun sie auch mir weh, denn sie sind nicht wirklich originell und auch ich beginne an Flucht, ans Weglaufen zu denken. Dann ist das Lied vorbei. Melancholisch, kraftlos, freudlos – ist es das was Emo können muss? Dieses Lied ist Schmerz in Reinkultur und trotzdem nicht völlig daneben. (Dennis)

Ohne Worte
Ohne Worte heißt mein Song – und viel vom Text lässt sich erstmal nicht raushören, die Betonung verspricht aber Bedeutendes. Klingt beim ersten Mal hören recht belanglos, beim achten Mal auch. Der Schluss des Liedes ist ganz gelungen. Von diesem Song aus zu urteilen, würde ich das Album nicht runterladen oder kaufen. (Max)

So Much Water
Nett. Aber: der kleine Bruder von nett ist bekanntlich scheiße. So richtig scheiße ist das zwar nicht, nur einfach irgendwie zu nett. (Chris)

Spreu vom Weizen
Das Rad kann nicht neu erfunden werden. Alles war irgendwie schon mal da und profitiert vom Hype und geht mit seinem Abklang unter. Trotzdem nerven mich zehnmal aufgegossene Teebeutel. »Spreu vom Weizen« ist so ein Teebeutel. Ich fühle ich mich peinlich berührt von verwendeten Bildern wie Ampeln auf grün, sich selbst in Zeitlupe sehen, der erste Kuss, ein geschlossenes Kino. Das ganze wird, wie es grad so angesagt ist, existentialistisch ins Mikro gepresst und schmiegt sich völlig kantenlos an die Gitarrenriffs an. Ausbrüche wie »ES ist auch dein Leben…!« kann ich auch nicht laut mitsingen ohne rot zu werden. Das ganze ist aber derartig mitreißend geschrieben, das Schlagzeuger poltert zügig los und die Gitarren hämmern verzerrt in die entscheidenden Ecken, dass man mit wippen muss. Klingt ja auch so, als hätte man das schon hundert mal gehört. Nicht meine Tanzveranstaltung. (Janette)

Sammeln und Stapeln
Jetzt habe ich mir das Lied ein paar mal angehört, und so langsam dämmert mir, warum ich mich so lange davor gedrückt habe, es zu besprechen: Ich kann mir vorstellen, dass die Musiker vielleicht recht nett sind, aber es gefällt mir einfach nicht. Irgendwo zwischen poliertem Indierock und was zumindest früher gern als Emopunk bezeichnet wurde, angezogenes Tempo und klarer Gitarrensound, eine treibend-melancholische Stimmung in der Musik. Der männliche Gesang tönt ebenfalls klar, verliert meines Erachtens aber durch eine Art Post-Screamo-Feel. Auch das genretypisch eingestreute Operieren nah an der Grenze zum Sprechgesang kann der monotonen Selbstmitleidigkeit des Stücks nichts entgegensetzen. Textlich gehts um Herbstdepressionen. Beschrieben wird eine Situation im September, »die Heizung steht auf drei«. Die singende Trauerweide sieht sich im Zimmer um und fragt sich: Was behält sie bis zum nächsten Sommer? Mir gefiel dieser alltagspoetisch aufbereitete Jahreszeitenkitsch noch nie. »Kitsch« deshalb, weil der Turnus der Probleme, die geeignet sind, mich in eine melancholischen Stimmung versetzen, nach dem Stand der Entwicklung der Produktionsmittel mit dem Wechsel der Jahreszeiten eigentlich fast nichts mehr zu tun haben. »Gefiel mir noch nie« deshalb, weil mich solcherart kreativ geäußerte Melancholie und Selbstmitleid einfach nerven. Gelegentlich melancholisch oder selbstmitleidig zu sein lässt sich schwer vermeiden. Wenn man dann aber einen Proberaum, viele schöne Instrumente, befreundete Musiker/innen und genügend Zeit hat, dann sollte man sich darüber sehr freuen, und die eigene Melancholie kritisch durcharbeiten und überwinden, anstatt sie bloß auszudrücken oder schlimmstenfalls im Studio nachzuempfinden. Und wenn man die Chance hat, eine Platte zu machen, dann soll man die nutzen, um diesen Prozess auch bei anderen anzuregen. Keep on keepin’ on! (Brigate)

Hunderzwanzig Sachen
Es ist wirklich eigenartig schwierig, ein einzelnes Lied zu besprechen, denn was kann ein Lied allein schon ausdrücken, meist nicht sehr viel. Und dieses Lied tut es auch wahrlich nicht. Hoffentlich liegt man bei »Hundertzwanzig Sachen« nicht mit der Vermutung richtig: kennste eines, kennste alle. An sich gefällt mir der Song, aber es ist nichts Herausragendes in der kleinen Welt der deutschsprachigen wir-sind-die-besten-Freunde-Punkbands. Der Text will zu Gedanken über Alltag und gesellschaftlicher Vereinsamung, mit einem hohen Anteil an eigenen Interpretations‑ und Identifizierungsmöglichkeiten, anregen. Die Musik ist sauber, glatt und irgendwie langsam langweilig. Weder Text von Musik stellen etwas Besonderes dar und die Emo-Spalte im Punk dreht sich im Kreis. Im Lied geht es im Entferntesten um die Frage – was ist zuhause – musikalisch kann ich nur raten, dass man einfach mal zuhause ausziehen sollte, dann stellt sich auch die Frage einfach nicht mehr. (Ulrike)

Hols Stöckchen bitte
Ich hör ja nicht soviele von diesen tollen Punkbands, weil ich drauf stehe, schlecht drauf zu sein. Nee, nee. Dann würd ich Atreyu oder Silverstein hören und mir die Tage »mal was gutes tun«. Zum Beispiel bei H&M ein neues Jäckchen kaufen. Ist ja auch hart alles. Gönn mir doch den Spaß. Na klar, aber geht schon. Ich komm auch so durch. Wenn man so vieles einfach mal seltsam-verstörend findet und zwar nicht nur weil es seltsam-verstörend ist, sondern man das eben findet (kompliziert!) legt man den Strohhalm einfach mal auf. Lustig irgendwie. Ist ne super Platte. (Abel vB)

Worte auf der Brücke
Dieses »Wort auf der Brücke« immer wieder und wieder, los schreib was dazu, los jetzt! O.K. es handelt vom losgehen, man soll nicht aufgeben, sondern es einfach tun. Deswegen tu ich das jetzt ja auch, einfach losschreiben. Aber ich höre da doch ein paar Zweifel raus: »es muss sich was ändern, nur was?« und dann kommt auch das ungeliebte »ich weiß es auch nicht«. Die Musik hingegen lässt keine Zweifel zu, sie denkt nicht nach, sie brettert nach vorn bis sie oben angekommen ist. Und so muss man es wohl tun, einfach los, nicht so viel nachdenken und schwupp ist man am Ziel. Ich auch. (Caro)

Abenteuer im Metadelta
Das Abenteuer im Metadelta hat keinen Anfang und kein Ende, die Zeit ist dermaßen gekrümmt, dass der Song im Kreis läuft (Repeat-Modus). Der Raum hingegen ist ganz wie immer, ein wenig schmutzig und groß genug, um darin zu tanzen – und das in satten drei Dimensionen. Dabei sollte unbedingt darauf geachtet werden, nicht hinzufliegen. Bockspringen auf der Autobahn kann zu erheblichen Verletzungen führen. (Oli)

Auftauchen um Luft zu holen
Schön: Melodiös-düsteres Intro, zack, präzise Breaks, treibende Drums, wütender Gesang. Der bleibt allerdings kühl genug, um Distanz zu wahren. Stellt klar, dass es sich hier immer noch um eine künstlerische/künstliche Abstraktion handelt und nicht um das emotionale Tagebuch einer Beziehung. Lässt bei allem klanglichen Mitreißfaktor Raum für eigene Bezüge. Zeilen zum Mitgrölen mit angesuckt-sein-Tragiknuancen, ohne dass man sich dabei doof vorkommen muss. (Antonia)

Zugehört
Hin‑ und hergerissen zwischen »schon zu oft gehört« und »nicht richtig hin‑ und zugehört« tendiere ich zum zweiten. Irgendwie schaffen es Captain Planet doch die richtigen Worte und Töne zu treffen, auch wenn man an einigen Stellen geneigt ist, den zugegebenermaßen unfairen Vorwurf zu formulieren, dass sie aus den eng gesteckten Genregrenzen nicht ausbrechen. Niemals die einzige Blume vor der Nase wegpflücken lassen! (Toralf)

Man merkt eventuell, dass der Superlativ mir sehr nahe steht, aber ich sage es trotzdem und erst recht: »Bedroom or dancefloor« ist einer der Indiehits des Jahres. Da kann man nix gegen sagen. Ob auf der Unterm Durchschnitt-Party in Leipzig oder ganz spontan im Beat Club zu Hamburg; ertönen die ersten Takte dieses wahnwitzig guten Songs, beginnen die Flaschen zu tanzen und die Köpfe zu nicken.

Neben diesem Meilenstein enthält die 7“ im Klappcover noch 2 weitere Stücke, sowie einen elektronischen-Tanzflächenmagneten-Remix von »Bedroom or Dancefloor« für den sich die Weltraumraketen von Juri Gagarin verantwortlich zeigen. Besser gesagt Säge, der ja nicht nur Knöpfchen im Sowjet-Armeeparka drückt, sondern auch und vor allem bei Iskra den Bass bedient.

Viel Zeit im Proberaum scheint seit Veröffentlichung der ersten Demo-CD vergangen zu sein. Hörte man auf jener noch einen abenteuerlichen und musikalisch oft fragwürdigen Mix aus Versatzstücken und guten Ideen haben Iskra mit dieser Single einen Stil gefunden, der sich schon auf den zahlreichen Konzerten abzeichnete. Die Gitarrenriffs klingen nach Hot Snakes, der Rhythmus orientiert sich an funky Tanzplatten wie zum Beispiel »Power« von Q And Not U oder älteren Sachen von The Rapture. Aber schönerweise weit weniger glatt, weit weniger auf Hit! produziert.

Hierfür dürfte nicht zuletzt die außergewöhnliche Stimme von Sängerin Flicke zur Verantwortung gezogen werden, die immer kurz vorm Geschrei den Ton trifft und der musikalischen Untermalung die eigentümliche Atmosphäre verleiht.

Mal gucken was noch aus dieser Band wird und was die Zukunft bringt, aber die vorliegende Single gehört für mich zu den besten Veröffentlichungen des Jahres. Und aus Hamburg ja sowieso. Sollte man sich auch mal live angucken. Eine der wenigen Bands, deren Publikum nicht nur die Optionen »Rumstehen« und »Blutgrätschenpogo« kennt. Und das ist ja auch mal schön, wenn man mit dem Kopf wackeln kann, ohne die ganze Zeit in der Arme-verschränkt-ein-Bein-zurück-Pogo-Angriff-Abwehrhaltung stehen zu müssen. Funky! Tricky! Iskra!

Aber es gab dereinst auch andere Exemplare von Poesiealben – solche nämlich, die dem Eintragenden die nicht immer ganz einfache Aufgabe abverlangte eine schneeweiße Seite frei von diesem neumodernen Steckbrief-Schnickschnack zu gestalten. Wer langweilig war und auch sonst eine Niete suchte aus seinem eigenen Poesiebuch einen hübschen Spruch heraus, schrieb ihn in Schönschrift mit Füller ab und drapierte noch ein paar Blumenaufkleber drum herum. Wer hingegen was auf sich hielt, mühte sich um eine originelle Note und um ein wenig Individualität.

Katzenstreiks’ Album »IIII« ist ein solches Poesiealbum eingeschoben. Aufwendig layoutet und von allerlei Bekannten, Weggefährten, MusikerInnen, Veranstaltern und Labelbetreibern ausgefüllt. Es werden beste Wünsche, Anekdoten und verschriftlichte Plätzchen gereicht – höchstpersönlich versteht sich.

Wenn eine Band ein solches Heft anstatt eines handelsüblichen Plattenbeiwerks dem eigenen Langspieler beilegt, so hat das mehr zu bedeuten, als das posrige Vorzeigen der Freundschaftsbänder (Remember Wolfgang Petry!). Das Poesiealbum markiert vielmehr, welche Bedeutung und welchen Status sich Katzenstreik im deutschsprachigen Raum in puncto Emopunk im Laufe der Jahre erspielt haben und wie viel sie einer kaum überschaubaren Anzahl von Leuten bedeuten. Und das gewiss zu recht.

Mit einer beachtenswerten Liebenswürdigkeit schrauben die vier nun schon über Jahre an ihrer Musik, an ihren Texten, ihren Auftritten. Vielleicht allein mit ein wenig zu viel der Authentizität wird man auf »IIII« eingeseift, wenngleich die Platte den Grund dafür frei Haus mitliefert. Katzenstreik ist für die beteiligten Musiker mehr als ein mal schönes, mal beschwerliches Hobby. Es scheint, als sei es Fixpunkt in vier unterschiedlichen Leben, in vier Freundschaften, die genau dadurch zusammen gehalten werden. Wahrscheinlich nur so ist die große Distanz zwischen Bristol in England, wo es den Drummer Tobi mittlerweile hin verschlagen hat und zwischen Göttingen und Berlin zu überbrücken, wo der Rest lebt. Unter diesen Bedingungen zu proben, zu touren und sich zusammen weiter zu entwickeln dürfte Katzenstreik noch vor eine ganze Reihe von Herausforderungen stellen. Deshalb bleibt eine genauere Bestimmung des Gegenstands offen, weil ungewiss. Womit hat man es bei »IIII« nun eigentlich zu tun? Mit einem Rückblick, einem Ausblick oder einem vorgezogenen Adieu? Wer weiß das schon so genau?

Festhalten lässt sich bei »IIII« aber zumindest ein solides, wieder ein wenig dreckiger produziertes Punkrockalbum plus buntem Strauß sich eckender Schrulligkeiten, die am Ende der Platte versammelt sind. Wie dort hörbar, ist Katzenstreik alles andere als frei von Brüchen, nur steht wohl kaum eine Band so offen und sympathisch dazu. Beispielhaft dafür lässt sich das »Hasskappe Pt.2«-Stück anführen, in dem sich Tobi über eine eigene olle Kamelle aus der autonomen Mottenkiste der Bandgeschichte in einem schaurigen Elektroremix lustig macht. Neben der Portion Selbstironie deutet die dafür gewählte Form das Interesse von Katzenstreik an, ihr eigenes musikalisches Korsett ein paar Löcher weiter zu schnallen. So wildern die Vier wie erwähnt nicht nur im Disko, sondern wagen auch Ausflüge in Richtung Rap, Blues und Pop.

Und dennoch: meine Scheibe wird das nicht. Einige Lieder sind mir einfach zu hittig, andere zu stark an das eigene Plattenregal angelehnt: »Reißverschluss« spielt am Anfang Räuberhöhle, »Shakedown« im Intro Robocop Kraus und das Schlagzeug von »Home Again« hat sein Vorbild recht deutlich bei Hot Hot Heat’s »Bandages«.

Zum Inneren: Dass ich soooo lange gebraucht habe, um mich zu diesem Review aufzuraffen, hat auch mit meinem ambivalenten Verhältnis zu dieser Platte zu tun. Screamo-Emo-Core (»Heartcore«) aus Bremen mit Gitarrenmelodien und einigen Sprechgesangteilen drin – sehr Molltonart-schön, sehr wütend und sehrsehr verletzlich. Zum laut hören gemacht.

Eben die Sprechgesangsequenzen wirken aber auch so entblößend, dass die Grenze zum peinlich-berührt-sein bei mir manchmal überschritten wird, was ich aber wiederum gleichzeitig souverän und mutig finde. »Authentisch«, das schlimme Wort, wäre hier angebracht, um den Effekt zu beschreiben.

Jet Black bewegen sich konsequent auf diesem schmalen Grat zwischen sich-die-eh-schon-dünne-Haut-vom-Leib-reißen und sich-ein-angry-Gitarrenbrett‑ als-Panzer-darüberziehen. Dabei spielen sie mogwaimäßig mit Dynamiken – jene bleiben zwar selbstredend unerreicht, was Weite und Dichte angeht, aber platt oder eintönig wird die Scheibe nie.

In den Texten ist manchmal ein bisschen viel von »ihr« und »sie« versus des zarten »wir« die Rede, Emo eben: wie die omnipräsente Liebe ist vor allem die Sehnsucht nach Identität immer Thema, eingelöst wird sie glücklicherweise jedoch nicht. Es bleibt beim Sehnen und dem Leiden daran: »Die Maske ist Scheiße ohne mich selbst/Und Du bist/ Und Du bleibst/was niemals ich finde« heißt es im Opener »Ich dazwischen«, »Nichts tut mehr weh, als sich selbst zu vermissen/nichts verlockt mehr, als nicht träumen zu müssen« in »Tanzen«.

Mein Lieblingsstück ist allerdings der Titelsong (ganz ohne Sprechgesang, was will das jetzt sagen?) mit einem grandios gehauchten, mittendrin eingespielten Telefonat. Die Eine will, dass der andere möglichst bald nach Hause kommt, und dass er viel an sie denken musste, mehr erfahren wir nicht. »Can you come today?« bittet sie flehend, dann bricht ein Gitarrenbrett die Gelegenheit zum Lauschen ab, und ganze Filmlandschaften dürfen vor dem inneren Auge entstehen. Vielleicht kennen ja sonst alle den Film, aus dem das Sample stammt, aber bitte trotzdem nicht verraten und damit das Zelluloid dieses ganz privaten Film Noir zerreißen. Ich geb’s zu, ich bin doch Fan.

Captain Planet sind heute zwar nur noch zu viert und sie benutzen heute lieber Instrumente, aber was den Rest angeht, scheinen die Helden erhalten geblieben zu sein. Ob der Name die Jugend-Verbindung in die 90er beabsichtigt: ich weiß es nicht, will es aber wohl hoffen.

Die Jungs aus Hamburg machen super Emo-Punk vom feinsten, wie man ihn kennt, liebt und wie er sein muss. Ihre 7inch heißt »Unterm Pflaster der Strand«. Und kommt limitiert und ganz wunderbar illustriert daher, und wenn man länger sucht, findet man sogar noch ein Gimmick. Erschienen ist das gute Stück bei Unterm Durchschnitt und befindet sich dort in guter Gesellschaft. In der Schublade Emo-Punk sucht und findet sie aber dennoch viel musikalische Abwechslung. Sehr schöne Gitarrenmelodien, ohne sich darin zu sehr zu verlieren und die Geschwindigkeit außer acht zu lassen. Zu allen Gelegenheiten des Lebens hörbar.

Dies ist eine der Platten, von denen auf jeden Fall mindestens ein Lied auf die Kassette fürs Auto oder die beste Freundin kommt. Musik, die einen morgens dazu bringt wirklich mal wieder aufzustehen. Lieder, die einem sagen, dass man nicht allein ist, in einer Welt voller Idioten, die gerne zur Arbeit gehen und denen ein Urlaub in Jahr ernsthaft reicht. Texte, die so kryptisch sind, aber trotzdem von allen verstanden werden, wenn man sich rein denken und verstehen will. Die Lieder handeln von Situationen, die sofort persönliche Bilder vor den Augen aufleuchten lassen. Den Assoziationen wird freier Lauf erlaubt, ohne völlig abzudriften und am Ende sinnentleert zu verbleiben. Es breitet sich ein irrationales wohligen Gefühl im Körper aus von Szene, die noch in Ordnung ist. Sympathische Leute mit Anspruch, nicht völlig desillusioniert, Konzerte D.I.Y.

Leider bin ich noch nicht in den Genuß gekommen ein Live-Konzert zu besuchen, aber die Gerüchte sagen, es wäre ein Muss.

Die Absicht der Compilation über rechte Musik zu informieren und Leute für dieses Thema zu sensibilisieren ist absolut unterstützenswert und geschmacksquotenkompatibel, aber es stellt sich doch die Frage, inwieweit »gegen rechts« in dem Kontext, in dem der Turnitdown-Sampler rezipiert wird, nicht sowieso schon Konsens ist. Der Einfluss der Platte im Teil der Punk‑ und Hardcoreszene, auf den sich der Wirkungsbereich wegen der getroffenen Bandauswahl beschränken wird, ist zu hinterfragen. Den Slogan »Rechtsextremismus bekämpfen« (oder so ähnlich) als kleinsten gemeinsamen Nenner würden derzeit wohl alle politischen Lager bis hin zum reaktionärsten CSU-Wähler unterschreiben. Wozu also offene Türen einrennen in einer Szene, die sich als aufgeklärt über rechte Phänomene wähnt?

Problematisiert werden die Einwände, die sich gegen noch eine Aktion »Gegen Nazis« machen lassen im umfangreichen Booklet auch von den Samplermachern selbst. Hinter dem Leitmotiv – rechte Strukturen in Musik‑(Sub)Kulturen – steht zum einen das Phänomen rechte Musik im »klassischen Sinne«, welches nach wie vor als identitätsstiftendes Moment bei der Konstitution der rechten Szene herausragende Bedeutung hat. Zum anderen soll aber auch eine kritische Auseinandersetzung mit Inhalten der eigenen Subkultur angeregt werden. Denn neben Bands, die eine klare faschistische Ideologie vertreten und sich der jeweiligen szenetypischen optischen und musikalischen Codes bedienen um so auch »unpolitische« Menschen zu erreichen, gibt es in Subkulturen wie Hardcore/Punk, Darkwave und HipHop mehr als fragwürdige inhaltliche Tendenzen wie Sexismus, Nationalismus oder Homophobie, die oft kritiklos akzeptiert werden. Dass auch in vermeintlich informierten Kreisen Handlungs‑ und Informationsbedarf besteht, zeigt nicht zuletzt das Negativbeispiel des als HC-Mailorder gestarteten »Lost & Found«, der neben allerlei Punk‑ und Hardcorescheiben eindeutig rechte Bands wie One Life Crew oder Ultima Thule vertreibt. Eine Reflexion jenseits der Schwarzweißmalerei von Nazi vs. Nichtnazi, jenseits von »T-Shirtspruchpolitik« wäre in den oftmals sinnentleerten Lifestyleangeboten mit gesellschaftlicher Integrationsfunktion, wie sie eben auch Hardcore und Punk sind, wünschenswert. Der Informationsanspruch der Compilation wird auch dadurch untermauert, dass englische und spanische Übersetzungen sowohl der Artikel als auch sämtlicher Lyrics im Booklet enthalten sind und so das Verständnis des Anliegens den deutschsprachigen Rahmen überschreiten kann.

Insgesamt eine musikalisch wertvolle und inhaltlich sinnvolle Aktion, die als Unterstützung für das Internetportal Turnitdown.de gedacht ist. Neben der ansurfenswerten Homepage als Kommunikations‑ und Vernetzungsmedium mit einer Menge Informationen über rechte Bands, Labels und Symboliken, werden auch Konzerte unter dem Turnitdown-Logo organisiert, außerdem sollen Sampler, die musikalisch auf andere Subkulturen abzielen, folgen.

Ganz schlau werde ich aus Katzenstreik trotzdem nicht, denn so richtig wohl scheinen sie sich in keiner einzigen musikalischen Sparte, die aus dem traditionellen »Stromgitarre – Bass – Schlagzeug«-Schema resultiert, zu fühlen. Hier und da etwas Punk, viel Emo, ein Schuss Hardcore und Indierock, mal auf englisch, mal auf deutsch – fertig ist der wilde Stilmix, der es manchmal in sich hat und manchmal einfach zu dürftig daherkommt. Denn so vielseitig wechselnd der Sound auch ist, desto abwechslungsreicher auch die Beanspruchung meiner musikalischen Geschmacksnerven. Schafft man es gegen Anfang der Platte noch mit einigen Rockern aufzuwarten, so bleibt gegen Ende einzig der Trost der auf stets hohem Niveau gehaltenen Samples, die einen bis zu guter letzt zum Schmunzeln bringen. Dazwischen allerdings viele belanglose Parts, die den ganzen Elan des Vorherigen entschwinden lässt, um viel zu spät wieder die Kurve in Richtung Ohrwurm bekommen zu können.

Musikalisch hört sich das schon ziemlich ausgereift an und auch technisch haben Katzenstreik einiges aufzubieten. Ich werde aber das beklemmende Gefühl nicht los, dass man hier auf Teufel komm raus alles daran setzt, so abwechslungsreich, so extravagant wie möglich zu klingen – und genau das geht in die Hose.

Sicher, Katzenstreik werden Spaß an der Sache haben, sind gute Freunde, die zusammen Musik machen, was ja an sich durchaus akzeptable Gründe sind, um weiterhin kulturindustriellen Output zu liefern. Darüber hinaus interessieren sie sich auch noch für Kritik an den Zuständen, was sie sympathisch macht. Alles in allem bleibt aber ein Feeling, das mir beim Hören kein eindeutiges Lächeln auf die Lippen zaubert. Schlecht ist diese Platte ganz und gar nicht, dennoch muss an dieser Stelle gesagt werden, dass diese ganze Harmonie, dieses »Friede – Freude – Eierkuchen«-Ding, das mich trotz der formulierten Gesellschaftskritik irgendwie nicht verlassen will, keineswegs vor einigen Aussetzern auf Konserve schützt. Ist ja schön, wenn man sich und das, was man tut, mag. Jedoch besagter »Spirit« ist nun mal kein Garant für außerordentlich gute Musik. Eben so wie hier.

Meine Probleme hat – in Anspielung auf den Titel – das Album jedenfalls nicht gelöst. Aber: vielleicht wollten sie das ja auch gar nicht.